در “اپرای جدید به نام بنیانگذارش”، “کوری” حرفه ای کارگردان و “کوتوله بودن” موسیقایی رهبر ارکستر در خلسه خلاقانه طوفانی ادغام شدند.

البته ما در مورد اولین نمایش دوگانه تئاتر اپرای جدید مسکو به نام E. V. Kolobov صحبت می کنیم، جایی که اپراهای تک پرده در یک اجرا لحیم می شوند: Iolanta اثر P. I. Tchaikovsky و The Dwarf اثر Alexander von Zemlinsky.

اولین نمایشنامه “یولانتا/کوتوله” در اپرای نوایا برگزار می شود

در توطئه ها یک “قافیه” وجود دارد: همانطور که ایولانت نمی داند که او نابینا است، کوتوله نیز تا زمانی که با آینه ای که توسط نوزاد ظالم ساخته شده ملاقات کند، به ویژگی های رشد خود شک نمی کند. بینش تحت اللفظی و استعاری در یک مورد خوشبختی می آورد و در مورد دیگر مرگ.

فضای صحنه به دو “میدان” تقسیم می شود: در “Iolanthe” اکشن اصلی بر روی پرده ای که یک راهرو بیمارستان را به تصویر می کشد اتفاق می افتد و یک صفحه نمایش ویدئویی مخاطب را به بخش یک بیمار نخبه می برد و به شما امکان تماشای عمل را می دهد. . در کوتوله، برعکس، به جای یک صفحه، یک مرحله “داخلی” وجود دارد که در آن عروسک های بزرگ و شخصیت اصلی در مقایسه با آنها واقعا کوچک به نظر می رسند. بقیه شخصیت‌ها – طبق نیت کارگردان، شرکت‌کنندگان در یک مهمانی اشرافی – صدای “دوقلوها” خود را در حالی که در خانه هستند صدا می‌کنند.

خود عروسک ها از نقاشی Las Meninas دیگو ولاسکز “کپی” شده اند و در همان ابتدا میزانسن ابداع شده توسط این هنرمند مشهور را به طور کامل بازتولید می کنند. آینه ای که فیلیپ چهارم و ملکه در ولاسکوئز منعکس شده اند، آینه ای است که برای کوتوله کشنده است.

کارگردان – دنیس آزاروف، هنرمند – الکسی ترگوبوف، عروسک گردان – آرتیوم چتوریکوف. رهبر ارکستر – کارن دورگریان.

***

عروسک های اپرا به هیچ وجه جدید نیستند. آنها به طرق مختلف مورد خطاب قرار گرفتند، برای مثال، کریستوف وارلیکوفسکی در تریستان و ایزولد (2021)، بری کوسکی در اورفئوس (2017)، کلاوس گوث در ایفیگنیا در تائوریس (2001) – اینها فقط کسانی هستند که بلافاصله می آیند. همکاران می توانند نمونه های بیشتری را نام ببرند. خارج از ژانر اپرا، همزیستی عروسک ها و افراد روی صحنه نیز از دیرباز شناخته شده است، برای مثال، طبقه مرده اثر تادئوش کانتور (1975).

نقاشی های هنرمندان نیز بیش از یک بار منبع الهام کارگردانان اپرا شد. به عنوان مثال، “Il trovatore” (2014) سالزبورگ آلویس هرمانیس بر اساس تصاویر گالری هنری ساخته شده است، یا، نه چندان دور، هم در ایده و هم در مهارت تجسم “سفر به ریمز” – یک پرفورمنس افسانه ای. توسط دامیانو میچیلتو در آمستردام در سال 2015 روی صحنه رفت و هنوز (از سال 2018) به عنوان یک محصول مشترک در تئاتر بولشوی اجرا می شود. اشاره به Las Meninas از Velázquez هنگام اجرای کوتوله بر روی سطح قرار دارد.

خوب، خوب، می تواند هر روز اصالت داشته باشد و لازم نیست، بیایید آن را به کارگردانان برجسته، جشنواره های اروپایی و در قلمرو روسیه – به تئاتر بولشوی (حداقل در حالت ایده آل) بسپاریم و بقیه را انتخاب کنند. یافته ها و به تدریج آنها را در کار خود پیاده سازی می کنند – یک رویکرد کاملاً عادی، هیچ کس “مقبره” کلوبوف را گل سرسبد اپرا در روسیه نمی داند.

اما حتی تصمیمات صحنه‌سازی دیگران را می‌توان با استعداد یا حداقل شایستگی کنار گذاشت و در خدمت ایده اصلی اجرا قرار داد، فقط کارگردان باید ابتدا آن را به وضوح برای خود فرموله کند و سپس آن را به وضوح با صحنه انتخاب شده بیان کند. به معنای. در اینجا این ایده فقط اندکی بیان شده است.

بیایید بگوییم که قصد ترکیب اپراها در یک طرح به خودی خود خوب است، اما شاید باید راهی برای ارائه قانع کننده آن پیدا کنید؟ فقط اینکه از کوتوله بخواهیم در ابتدا ایولانتا را از بند بیرون به داخل راهرو ببریم و در آخر کوتوله “در حال مرگ” را در آغوش بگیریم کافی نیست. درخواست برای دادن گل رز نیز فقط یک جزئیات است، به هیچ وجه قادر به تبدیل شدن به یک عامل متحد کننده نیست.

آیا کارگردان می‌توانست راه‌های منطقی‌تری برای ارتباط شخصیت‌ها با یکدیگر بیابد؟ شاید عناوینی مثل رومئو کاستلوچی در «اورفیوس و اوریدیس» (2014) یا کنستانتین بوگومولوف در فیلم اخیر «هلندی پرنده»؟ یا حتی یک فیلم کوتاه کامل راه اندازی کنید، همانطور که گاهی اوقات دیمیتری چرنیاکوف انجام می دهد (روسلان و لیودمیلا، سادکو در تئاتر بولشوی)؟ خوب، حداقل چیزی!

شاید کوتوله به نوعی مسئول نابینایی ایولانت بود و او برای این واقعیت که کوتوله هرگز بزرگ نشد؟ شاید آنها خواهر و برادر باشند، در بدبختی به دنیا آمده اند، در کودکی از هم جدا شده اند و بدون شناخت یکدیگر زندگی می کنند؟ از این رو می‌توان نوعی مفهوم ساخت، و بنابراین «نفوذ متقابل» طرح‌ها به سرگردانی بی‌معنای یک شخصیت بیرونی در اطراف صحنه محدود شد.

کار با بازیگران به عنوان چنین در اجرا قابل مشاهده نیست، فقط خطوط کلی، و همچنین لمس برای جستجوی فرم و سبک: یک توپ “اوستیناتو”، دست های جمع شده به روشی خاص – همه اینها می تواند عملکرد خاصی را به نمایش بگذارد. ظاهر هنری خاص، اگر به درستی فکر شده باشد.

تمام بار بر روی دست و پا چلفتی و عاری از حالات چهره عروسک افتاد. به عنوان یکی از وسایل خوب است. اما هیچ عروسکی در ایولانتا وجود ندارد، تکنوازها که به حال خود رها شده اند، صادقانه سعی می کنند به نحوی وضعیت را نجات دهند، اما شکست می خورند، به خصوص که نه تنها کارگردان نمی تواند وظایف بازیگری مناسبی برای آنها داشته باشد، بلکه رهبر ارکستر نیز نمی تواند نقش آفرینی کند. – موزیکال

بله، در قالب الکلیسم برتراند، زخم خون آلمریک و نقاب‌های شاد نگهبانان شاه، «بینش‌های» تفسیری «درخشان» وجود داشت، اما «از سبک دیگری» هستند و در اینجا مضحک به نظر می‌رسند، بدون اینکه معنای جدیدی به آن اضافه کنند. بازی. یا اگر برای کارگردان اینقدر مهم بود که فانتزی «سرکوب‌ناپذیر» و «شوخ‌آمیز» خود را در معرض دید عموم به نمایش بگذارد، باید کل اجرا را به یک مسخره تبدیل می‌کرد، چرا که نه؟ البته در زمان ما کارگردان هر کاری می تواند بکند و این به نظر من خوب و درست است اما در آن صورت باید نسبت به کارهایی که انجام شده یا انجام نشده نیز مسئولیت کامل داشته باشد.

یک «پایان باز» می‌تواند به یک ابزار هنری قدرتمند تبدیل شود، اما تنها در صورتی که به بیننده/خواننده/شنونده مطالب زیادی در خود اثر داده شود، که بتواند آن را حتی پس از آن نیز در حالت تعلیق نگه دارد. اما گاهی اوقات «باز بودن» تبدیل به برگ انجیر می شود و عدم امکان نویسنده (در این مورد البته کارگردان، آهنگساز پایانی بدون ابهام دارد) برای رسیدن به پایانی دیدنی و هوشمندانه را می پوشاند. مانند «خودت فکر کن، وگرنه من خیلی تنبل هستم».

به طور جداگانه، باید گفت که کارگردانان باید قبل از اجرا از مصاحبه منع شوند: اغلب نتیجه غم انگیز صحنه با کلمات گلدار در تضاد است. کارگردان باید افکار، عقاید و دیدگاه های خود را روی صحنه در قالب اجرا بیان کند نه در گفتگو.

در اینجا، به هر حال، همان چرنیاکوف است که همه به اصطلاح از آن لذت می برند. “روشنفکران” در “Iolanthe” پاریسی خود، او تصویری ساده و شگفت انگیز از این نقش ساخت و با یافتن زبان مشترک با خواننده-بازیگر با استعداد، انعطاف پذیر و باز، سونیا یونچوا، شاید قابل اعتمادترین تصویر از Iolanthe را ایجاد کرد. در تمام جنبه های ممکن نکته خنده دار این است که او از ابزار یک مدرسه تئاتر واقعی روسی استفاده کرد که بهترین دستاوردهای آن، همراه با شاهکارهای موسیقی که برای عموم غربی کمتر شناخته شده است، چرنیاکوف است که ناامیدانه و با موفقیت در سراسر جهان تبلیغ می کند.

***

ارکستر خروشان اجازه سوراخ های جدی را نمی داد ، اما این احساس که همه نوازندگان دارند کاری را که دوست دارند انجام می دهند ، افسوس که ایجاد نشد. اپرای چایکوفسکی بدون تاریکی طولانی در آغاز و بدون شادی روشن در پایان به صدا درآمد. بدون لمس احساساتی و بدون خیزش احساسی ملموس. اگر مکانیکی استریل نیست، پس به سادگی در حال انجام وظیفه است.

در کوتوله، ارکستر کمی احیا شد، اما، ظاهرا، به لطف خود موسیقی، روشن، شاداب، زنگ، درخشان، وزوز، به شدت در تضاد با ایولانتا، خلق شده در زمان متفاوت و در یک پارادایم زیباشناختی متفاوت. فقط می توانم حدس بزنم که برای خود نوازندگان اجرای یک موسیقی جدید و حتی جالب تر از “کلاسیک های ابدی” خسته تر بود.

اما در نیمه دوم اپرا، جایی که دیالوگ شخصیت‌های اصلی که حفظ «ریتم» صحنه موسیقی دشوارتر است و سپس مونولوگ آزاد دراماتورژیک کوتوله آشکار می‌شود، ممکن است تار و پود موسیقی ترکیده باشد، اما تنش از “رشته” به سطح بحرانی ضعیف شده است. الهام، عواطف و احساسات، توانایی ایجاد نوای موسیقی شناخته شده، و توجیه هنرمندانه قطعات موسیقی نه چندان موفق – همه اینها به وضوح قوی ترین ویژگی یک رهبر ارکستر نیستند.

تکنوازان تنور تصمیم گرفتند “دوئل” داشته باشند و سعی کردند بر سر یکدیگر فریاد بزنند. معلوم شد که میخائیل گوبسکی (کوتوله) ماندگارتر است ، علاوه بر این ، در اورا ، اگرچه به طرز بسیار خسته کننده ای روی گوش می چرخد ​​، امکان تشخیص صدا وجود داشت و نمی توان موسیقیایی را از هنرمند گرفت.

اما خاچاتور بدالیان (وودمونت) به سادگی صدا و تکنیک کافی برای فریاد زدن یا حتی برای آواز خواندن معمولی نداشت.

صدای آناستازیا بلوکووا (دونا کلارا) بیشتر شبیه یک اپرت یا حتی موسیقی پاپ تلقی می شد: در جرقه های خیره کننده آتش بازی های ارکستر، او اغلب گم می شد و وقتی قطع می کرد، به نظر می رسید که یک صفحه قدیمی به صدا در می آید. . یا یک عروسک – اگر به این شکل در نظر گرفته شده بود، مطمئناً ورود به تصویر موفقیت آمیز است. اما گوش دادن غیر قابل تحمل است.

مارینا نرابیوا (ایولانتا) که از او با به یاد آوردن اجرای عالی خود در اولین نمایش های قبلی ، انتظار داشتم همان سطح بالای عملکرد را داشته باشد ، اگرچه او تمام تلاش خود را کرد ، اما موقعیت را نجات نداد ، زیرا این بار نیز مشکلات جدی را در صدای خود کشف کرد.

آنا سینیتسینا (گیتا) بدون پتانسیل نیست. بخشی که او به ارث برده است دلالت بر مکاشفه های صوتی ندارد، اما صدای او یکی از معدود مواردی است که در آن شب کاملا به صدا درآمد.

من از آلکسی آنتونوف (رنه) بسیار شگفت زده شدم. اینکه چگونه او با داشتن یک فرم آوازی وحشتناک که به او اجازه نمی دهد حتی یک عبارت را به طور قابل درک اجرا کند ، نه تنها به عنوان خواننده در تئاتر به کار خود ادامه می دهد ، بلکه وارد گروه بازیگران اول نیز می شود ، برای من راز اصلی شب است. .

تنها نوازنده ای که شایسته اجرا بود واسیلی لادیوک (رابرت) بود که از همان نت های اولیه برتری حرفه ای، قدرت فنی و بیان احساسی خود را نشان داد. حداقل خاطره ای روشن از اجرا.

***

اصولاً یک حکم جامع در مورد نخست وزیر قبلاً توسط همکار محترمم در کانال تلگرامی ایشان صادر شده است و از آنجایی که در این مورد کاملاً با ایشان موافقم، پس از شروع مقاله، احساس می کنم کمی سادیست می خواهم در زخم هایی که قبلاً ایجاد شده است فرو بروید. و با قضاوت بر اساس واکنش به آن پست، این زخم ها بسیار دردناک هستند: هنرمندان “برای فرسودگی و پارگی” کار کردند، به این معنی که “هیچ زمینه ای برای انتقاد وجود ندارد”.

اما به نظر من مهم و ضروری است که در این مورد صحبت کنیم، زیرا اولین نمایش اپرای نوایا نشان می دهد که چگونه علائمی که قبلاً در پس زمینه اجراها از بین رفته بودند، اما مدت هاست که اپرا در روسیه را خراب می کنند. و در بعضی جاها حتی به نوک زدن استخوان روی می آورند، خود را بیشتر و واضح تر نشان می دهند.

یک سال پیش، Novaya Opera پیشنهاد بسیار قدرتمندی برای یک دوره جدید ارائه کرد. به نظر می رسید، یا می خواست باور کند، که در آینده همه تولیدات مانند شهر مرده خواهد بود، از این پس تنها کارگردانان با استعدادی مانند واسیلی برخاتوف در تئاتر روی صحنه می روند و والنتین اوریوپین ارکستر و تک نوازان را به صحنه می آورد. سطح هنری کاملا متفاوت

رستاخیز اپرای جدید

دیروز (22 آوریل) مراسم اهدای جایزه تئاتر ملی روسیه «ماسک طلایی» برگزار شد و «شهر مرده» به عنوان بهترین اجرا شناخته شد و مارینا نرابیوا بهترین بازیگر نقش زن در اپرا جوایز قطعا شایسته است. اما اولین نمایش هایی که بعد از آن انجام شد تنها دو قدم به عقب نیستند، بلکه یک جهش واقعی به پایین هستند.

برندگان «ماسک طلایی – 2023» در تئاتر موزیکال مشخص شدند.

واضح است که تحت چه شرایطی هنر موسیقی و تئاتر در روسیه وجود دارد، مخصوصاً اپرا، هنوز راه دوری از آن وجود ندارد، اما اگر برخی از تئاترها و گروه های موسیقی «یتیم» هنوز هم حاشیه امنی داشته باشند، اپرای نوایا، آن به نظر می رسد، در حال حاضر همه.

و اگر او تنها بود، باز هم امکان آشتی وجود داشت. اما اجرای تئاترهای دیگر – همان “قبر آسکولد” – گواهی می دهد که افول در همه جا وجود دارد. اما افرادی که تولیدات را به عهده می گیرند متخصصانی هستند که دارای مدرک GITIS هستند. اگر فارغ التحصیلان ندانند آنجا چه چیزی یاد می دهند؟

بالاخره آموزش و پرورش پایه و اساس کل نظام است. او چگونه می تواند با چنین پرسنلی کار کند؟ به نظر من نتیجه کار او مشخص است. تنها سوال این است که آیا زمانی که زمانش برسد امکان تغییر وضعیت وجود خواهد داشت یا خیر؟

خوب، کسانی که ترجیح می دهند خود را با کوتوله اپرای زملینسکی بشناسند، البته می توانند همچنان وانمود کنند که همه چیز خوب است. خوانندگان آواز می خوانند، نوازندگان سازهای خود را می نوازند، هنرمندان مناظر نقاشی می کنند، کمدها لباس می دوزند، خدمه رخت کن لباس های بیرونی را به طور فلسفی روی قلاب آویزان می کنند، تئاترها نمایش های برتر را اجرا می کنند، تماشاگران از “هدایای” هنرمندان لذت می برند. ایدیل. نکته اصلی این است که در آینه نگاه نکنید.

سرگئی اودوکیموف